Talk Radio, d’Oliver Stone

(Etats-Unis, 1988)

Disponible en DVD le 18 janvier 2012 chez Carlotta Films

Note :

Tourné pour un budget modeste après « Platoon » et « Wall Street » et en attendant « Né un 4 juillet », passé complètement inaperçu lors de sa sortie en salles, « Talk Radio » apparaît pourtant aujourd’hui comme l’un des films les plus intéressants d’Oliver Stone… Il faut dire qu’il y accomplit une sorte de gageure exemplaire, tant la quasi-totalité du long métrage se passe au sein du studio d’une radio locale où un homme anime une émission où il converse tout seul avec des auditeurs invisibles à l’écran…

C’est pourtant avec ce sujet hautement anti-cinématographique que le cinéaste se livre à une mise en scène virtuose et inventive, transformant son film en un haletant huis clos, qui fonctionne à merveille à l’écran ! Tout tient au fond dans cet étonnant paradoxe : alors que ses personnages demeurent confinés dans un espace hyper réduit et statique, la caméra d’Oliver Stone ne cesse pourtant jamais de bouger et livre au final un film au dynamisme épatant… On ne peut qu’admirer cet objet filmique en forme de défi relevé avec brio : bien sûr, le réalisateur triche un peu parfois en incluant ici un flash-back sur la façon dont l’animateur de radio est devenu ce qu’il est ou en proposant là une courte échappée à l’extérieur de la radio un week-end, mais le film s’en tient la plupart du temps au personnage principal parlant à n’en plus finir face à son micro…

Pour rendre ce dispositif plus « audio » que « visuel » attrayant et palpitant, le cinéaste nous subjugue par un montage nerveux et efficace, multipliant notamment le découpage des plans, jouant sur l’éventail de possibilités entre le très gros plan et le plan large, tout en conservant une fluidité remarquable, nous faisant parfaitement oublier cet habile et complexe jeu de découpage… D’autres effets de mise en scène tiennent de la bravoure pure, lorsque le personnage s’engage par exemple dans un monologue impressionnant et que la caméra panote avec lui alors que le décor de la pièce défile en boucle en arrière-plan !

Mais la technique ou l’intelligence de la réalisation ne sont bien sûr pas les seuls éléments qui rendent « Talk Radio » aussi passionnant… Car le film est peut-être avant tout porté par l’acteur Eric Bogosian, qui incarne avec panache cet animateur radio cynique et désabusé, mais à la verve assurée, conversant avec des auditeurs sinistres et racistes, n’hésitant pas à les provoquer et les ridiculiser au plus haut point pour les pousser dans leurs retranchements… Auteur de la pièce de théâtre sur laquelle le film s’appuie, Eric Bogosian signe en outre le scénario de « Talk Radio » et surtout des dialogues taillés au couteau impressionnants de justesse, d’ironie et de tension !

Sous les traits de Barry Champlain, Bogosian et Stone dressent au fond un terrifiant portrait de l’Amérique : en instaurant ce dialogue de sourd avec ses auditeurs, il se complet finalement à l’autosatisfaction et à une forme d’autodestruction, qui ne tardera d’ailleurs pas à exploser à la fin du film ! En effet, en répondant avec hargne et méchanceté aux provocations vulgaires, xénophobes, homophobes ou antisémites des auditeurs qui l’appellent, il ne fait que mettre dos à dos des haines qui s’affrontent… En laissant l’excitation et les menaces gronder peu à peu, il condamne à l’annihilation la révolte qu’il croit porter avec sa voix… Il remarquera trop tard que ce n’est pas par la violence – même verbale – que l’on combat la violence : en croyant combattre tout ceux qu’il déteste, il se laisse finalement rattraper et détruire par eux… C’est triste à mourir et pourtant la démonstration demeure implacable !

Bonus DVD : Dans « Filmer la colère », Oliver Stone revient durant près de trente minutes sur le tournage de « Talk Radio », révélant quelques anecdotes et expliquant certaines techniques de mise en scène… un entretien passionnant !

Critique réalisée en partenariat avec

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Mother’s Day, de Darren Lynn Bousman

(Etats-Unis, 2010)

Note :

"Le Jour du Saigneur" fête sa 50ème !

Réalisateur de plusieurs films de genre (dont les opus 2, 3 et 4 de la saga « Saw »), Darren Lynn Bousman livre avec « Mother’s Day » un long métrage à l’inventivité et à l’efficacité vraiment surprenantes, quelque part entre le « survival » et le film d’intrusion… Remake d’un film de Charles Kaufman, la version de Bousman a visiblement l’intelligence de s’en éloigner largement pour mieux en réinventer l’histoire, l’atmosphère et les perspectives.

Tout commence assez classiquement, avec l’intrusion dans une maison où quelques amis font la fête d’une bande de trois frères en cavale après un braquage qui a mal tourné, laissant l’un d’eux gravement blessé. Croyant retrouver leur mère et leur sœur dans la maisonnée, ils s’aperçoivent en réalité que le lieu a été vendu à de nouveaux propriétaires… Heureusement, leur maman ne va pas tarder à venir les rejoindre, histoire de remettre un peu d’ordre à tout ça !

Si le déroulé et les enjeux du scénario ne sont pas forcément follement originaux (prise en otages, recherche d’argent, tentatives d’évasion…), « Mother’s Day » se révèle surtout dans toute une ribambelle de séquences d’anthologie, entre sadisme et horreur pure, qui rendent le film parfaitement réjouissant ! Entre deux filles à qui l’on dit qu’on laissera la vie sauve à celle qui tuera l’autre la première ou deux « amis » sommés de s’affronter pour qu’on envoie la femme du perdant dépuceler l’un des criminels, Bousman joue sur une certaine tension psychologique, sans oublier pour autant quelques situations extrêmes et excessives comme on les aime dans la série B ou le « torture porn » : entre un homme rendu sourd qui tue sa femme par erreur (faut dire qu’elle avait pas à le surprendre par derrière non plus !) et des effets gore bien dégueulasses (une tête explosée, une main fracassée à la boule de billard, une épaule embrochée, une attaque au fusil à clous…), le film ne nous laisse décidément pas une seconde de repos dans un joyeux jeu de massacres et de trahisons ininterrompu et toujours rondement mené !

Mais si l’on prend vraiment son pied à travers cette histoire qui commence par la fin (ce qu’on mettra d’ailleurs longtemps à comprendre…) et qui surprend par ses excès totalement décontractés du gland, on est aussi bien surpris par la tête d’affiche du casting ! Rebecca « La main sur le berceau » De Mornay interprète en effet à merveille cette mère hyper possessive avec ses enfants et si attentionnée avec tout le monde, sauf lorsqu’on lui désobéit ou que l’on se comporte mal, auquel cas elle ne recule alors devant rien… Son jeu paradoxal entre maman gâteau sirupeuse (au sens propre, puisqu’elle va même jusqu’à faire un bon gâteau au chocolat à ses victimes) et chef de bande cruelle et carnassière est tout bonnement délicieux : « Mother’s day » est comme son titre l’indique une vraie fête de mère… et même d’une mère tout à fait spéciale !

Grâce à UniversCiné, Phil Siné vous offre 10 codes VOD pour voir sur internet (en vous connectant depuis la plate-forme d’UniversCiné) le film "We need to talk about Kevin" de Lynne Ramsay, dont vous pouvez retrouver la critique sur ce blog en suivant ce lien...

Pour cela, il vous suffit de faire partie des 10 premiers à laisser un sympathique commentaire ci-dessous d'ici le dimanche 5 février 2012 à minuit, en n’oubliant pas de préciser votre mail dans le champ dédié du formulaire (le mail n’apparaîtra pas à la vue des autres internautes).

A vos marques… Prêt ? Commentez !

L’amour dure trois ans, de Frédéric Beigbeder

(France, 2011)

Sortie le 18 janvier 2012

Note :

L’amour dure trois ans, peut-être, mais en tout cas « L’amour dure trois ans » dure, lui, une heure et trente-huit minutes… La boutade ayant été faite, il convient maintenant d’avertir mon lecteur que mon roman de plage était justement « L’amour dure trois ans » l’été dernier et que j’ai donc pu en découvrir l’adaptation au cinéma, par son auteur lui-même, cette semaine…

Si établir une comparaison entre le livre original et l’adaptation qui en est faite pour le cinéma s’avère rarement pertinente, elle me semble plus adaptée dans le cas d’un romancier qui porte lui-même son texte à l’écran, en s’improvisant alors apprenti cinéaste, comme c’est justement le cas de Frédéric Beigbeder ici… Force est de constater qu’il s’en sort plutôt bien, le bougre, précisément parce qu’il a compris qu’il était nécessaire d’« adapter » plus que de platement « retranscrire » ! Du coup, le cinéaste trahit en partie l’auteur dans une schizophrénie rieuse, en enlevant ici ou en ajoutant là, l’élément bonus le plus intéressant du film étant peut-être cette mise en abyme du roman de l’auteur dans le scénario, donnant lieu à une échappée amusante dans le monde de l’édition…

Mais là où le cinéaste surpasse le romancier, c’est en modifiant la fin même de son texte, qui m’avait tant agacée l’été dernier… Là où la conclusion du livre rendait caduc (pour ne pas dire mensonger) le titre même de l’œuvre, le film s’achève avec une « vague » incertitude (au sens stricte, j’ai envie de dire) quant à la relation du couple et à son avenir (avec cet impression de tsunami apocalyptique en arrière fond de leur baiser de cinéma…)

Bon, Beigbeder ne marquera probablement pas l’histoire du cinéma avec ce film, comme il ne marquera certainement pas l’histoire de la littérature avec ses romans… Mais il parvient cependant à nous divertir agréablement avec cette jolie comédie romantique, moderne et enlevée, ce qui vous en conviendrez est quand même déjà pas mal ! Avec un talent qu’on lui connaissait déjà, il manifeste habilement son sens de la formule et de l’à-propos dans des dialogues joyeux et décalés et dans une histoire sympatoche et loufoque que porte plutôt agréablement Gaspard Proust et Louise Bourgoin… Et même si nos réminiscences du film ne devraient certainement pas durer plus de trois ans (mais alors vraiment pas !), comment en vouloir le moins du monde à un film qui rend un si joli hommage à la musique de Michel Legrand ?

La Taupe, de Tomas Alfredson

(France, Grande-Bretagne, Allemagne, 2011)

Sortie le 8 février 2012

Note :

Après le sublime et vampirique « Morse », qui sondait avec une poésie infinie la mélancolie de l’enfance, le cinéaste Tomas Alfredson revient avec un second film diamétralement opposé à celui-ci. Avec « La Taupe », adaptation d’un roman de John Le Carré, le cinéaste explore en effet l’univers des services secrets britanniques en pleine guerre froide, à travers cette histoire d’agent double infiltré, cette fameuse « taupe » que plusieurs agents cherchent à débusquer…

Il est évident qu’Alfredson n’a rien perdu de son geste et qu’il signe une nouvelle fois une mise en scène époustouflante de beauté et de perfection ! La fluidité des mouvements de caméra, l’intensité de la photographie, la précision du montage… tout contribue à l’obtention d’un film gracieux et maîtrisé !

Pourtant, la froideur de l’ensemble, la complexité du scénario et de ses subtilités infinies (qui ravira peut-être les amateurs de romans policiers ?), le manque de relief et de tension palpable de l’intrigue, finit par rendre le tout assez ennuyeux, probablement vain, et surtout parfaitement incompréhensible… La déception est de taille tant on a envie d’aimer ce film dès ses premières images et tant son casting regorge d’interprètes éclatants : Gary Oldman, John Hurt, Colin Firth… Le résultat apparaît ainsi comme magistral à l’écran et on n’en garde pas moins d’un bout à l’autre la seule envie que ça se termine au plus vite : un vrai talent gâché !

Autre film de Tomas Alfredson :

- Morse : Let the right one in, de Tomas Alfredson (Suède, 2009)

La Taupe sur Allociné

The Darkest Hour 3D, de Chris Gorak

(Etats-Unis, 2011)

Sortie le 11 janvier 2012

Note :

Après un modeste mais honorable premier film passé complètement inaperçu sur un attentat bactériologique au sein d’une grande métropole (« Los Angeles Alerte Maximum »), Chris Gorak remet le couvert avec un autre genre de catastrophe, légèrement plus fun et « hollywoodienne » : une invasion extraterrestre ! Sauf que loin des budgets de blockbusters, « The Darkest Hour » se rapproche bien plus volontiers du bon vieux film de série B que du cinéma de classe A, ce qui au final n’est vraiment pas fait pour nous déplaire… Avec cette histoire d’une bande de post-ados américains qui se retrouvent confrontés à des aliens invisibles lors de leur passage à Moscou, le réalisateur tape un grand coup dans le cinéma de genre, avec notamment une esthétique et surtout un traitement de l’intrigue qui rappelle à plus d’un titre les réjouissants et démentiels « Skyline » ou « Attack the block », sortis ces derniers mois…

Si la trame du film ressemble plus à un tour de montagnes russes qu’à un scénario mûrement réfléchi, il n’empêche que « The Darkest Hour » nous reste sur la rétine comme un divertissement superficiellement ludique et mystérieusement sympathique… Les personnages sont bien entendus caricaturaux comme c’est pas permis mais leurs acteurs ont des petites bouilles suffisamment agréables pour nous laisser prendre au jeu en leur compagnie de ce « survival » dans lequel tout est possible, à commencer par un ordre de disparition des personnages pour le moins surprenant : heureusement, d’autres individus font leur apparition en cours de route, ce qui rend finalement l’ensemble bien plus alerte encore !

Le film ne lésine pas sur les effets spéciaux, plus ou moins réussis d’ailleurs, mais toujours sacrément délirants ! La façon dont les humains meurent quand ils sont touchés par les aliens est carrément cool… Quant aux extraterrestres eux-mêmes, la vision qu’on a d’eux une fois que nos héros ont un peu gratté sous leurs carapaces « invincibles » (et invisibles, donc !) demeure sobre mais néanmoins bien couillue ! Les idées finissent au fond par se multiplier à l’écran comme les petits pains de Jésus (toutes les trouvailles autour du concept électrique sont assez bien vues !), et même si cette cascade de saynètes mises bout à bout les unes aux autres laisse plutôt le sentiment d’accumulation sans gros enjeu derrière, on en passe pas moins un savoureux moment, digne de nos meilleurs « plaisirs coupables » d’adolescent…

La fin de « The Darkest hour » se révèle en plus un pur bonheur, tant le film prend une ampleur – certes à voir au centième degré (comme l’ensemble du film, d’ailleurs !) – lorsqu’il transforme nos jeunes héros insouciants du début en petits soldats prêts à livrer bataille contre les envahisseurs… La guerre des mondes peut alors enfin commencer, laissant déjà imaginer les suites les plus délirantes à cette aventure, peut-être réalisées par un Chris Gorack plus fun que jamais, sur qui la série Z peut désormais compter à l’aise !

Autre film de Chris Gorack :

- Los Angeles Alerte maximum, de Chris Gorak

On n’en parle pas souvent, mais l’amitié assez « particulière » qu’entretint Clint Eastwood avec le réalisateur homosexuel Arthur Lubin dans les années 50 fit « jaser » en son temps… Alors que Lubin offrait à foison de beaux costumes et des voyages en sa compagnie très privée à l’acteur, la femme de ce dernier en fit très vite une véritable crise de jalousie et lui interdit tout simplement de revoir le cinéaste… Vous trouvez ça louche, vraiment ? De là à penser qu’Eastwood fût un peu de la « jaquette » au cours de cette période, il n’y a qu’un pas que l’on s’abstiendra cependant de franchir trop hâtivement…

Quoi qu’il en soit, il est amusant de constater que sa filmographie est émaillée de moult petits indices et autres références à d’étonnantes tendances homosexuelles de l’acteur, et cela même dans la première partie de sa carrière, au cours de laquelle il incarnait une sorte de représentation mythifiée de la virilité pure, de l’homme « le vrai », qui sait agir et se battre, quitte à être franchement violent à la « Inspecteur Harry »… La séquence la plus célèbre et notable demeure probablement celle où, dans « La corde raide », il se fait inviter par un homosexuel à « essayer » de nouvelles choses avec lui, juste avant de lui rétorquer du tac au tac « Mais qui te dit que je n’ai jamais essayé ? ! » La classe, Clint, surtout que ça fait vraiment le mec qui assume en plus !

Mais c’est bien entendu dans la dernière partie de son œuvre que tout est plus flagrant et que tout part en couilles, si vous me pardonnez l’expression ! A partir du milieu des 90’s, le cinéma d’Eastwood devient en effet quasiment un cinéma de fillette, avec des romances à l’eau de rose tellement miraculeuses que seule une âme convaincue de la beauté de l’amour pouvait les réaliser : on pense bien sûr à « Un monde parfait », « Sur la route de Madison », « Million Dollar Baby »… Toute cette partie de sa carrière révèle en effet que la paix et l’amour est plus fort que tout et que cela doit demeurer la seule réponse à toute forme de violence : « Gran Torino » en est notamment la démonstration parfaite…

Ce ciné de « chochotte » démarre d’ailleurs dès 1992, avec sa déconstruction totale du western, genre symbolique de l’hétérosexualité latente et de la virilité vraie, à travers son film « Impitoyable » : les putes s’y moquent désormais de la taille microscopique des bites des cow-boys américains… Certes, celle qui a dit ça se fera taillader le visage sans ménagement, mais il faut interpréter cette violence comme le dernier acte honteux d’un homme privé de sa virilité qui se rabaisse lâchement à faire du mal aux femmes…

On n’oubliera pas en outre « Minuit dans le jardin du bien et du mal », un film pétri d’ambiguïtés moites dans lequel le cinéaste Eastwood se frotte frontalement à l’histoire d’un couple de « vieilles pédales », dont l’une aurait tué son amant, résultat d’un meurtre « passionnel »… L’amour, encore et toujours l’amour !

Et puis nous parvient aujourd’hui ce « J. Edgar », dernier coup porté à la mythique virilité de l’hétérosexuel made in USA à travers la description par Eastwood d’une grande figure de l’Histoire américaine, Hoover, comme d’une tapiole honteuse qui enfilait les robes de sa maman… Trop fun ! Sans compter que le personnage est interprété par Leonardo DiCaprio, l’un des plus grands fantasmes gay des années 90 à propos duquel les rumeurs d’homosexualité n’ont d’ailleurs jamais été officiellement démenties… ni confirmées, d’ailleurs, me direz-vous avec clairvoyance !

Saviez-vous enfin que Clint Eastwood ne s’est pas reproduit depuis 1996 (sa fille Morgan, dernière d’une lignée de neuf enfants !) et qu’il soutient aujourd’hui le mariage arc-en-ciel, lui qui fût pourtant un ardent conservateur depuis… toujours ! Bref, s’il n’est peut-être pas encore complètement homosexuel, Clint Eastwood donne l’image à travers son cinéma d’un auteur au minimum plutôt branché « gay friendly »…

Films de Clint Eastwood :

- Au-delà (2011)

- Gran Torino (2009)

- Invictus (2010)

- J. Edgar (2011)